Leyendo el libro:
"Art and Education", Luis Camnitzer, Pablo Helguera, Betty Marin. PSU Art and Social Practice
no me pude resistir a traducir con la ayuda de (translate.google.com ) el último capítulo "Art Education from Noun to Adjective". Pablo Helguera. Allí les va.
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La literatura, los simposios, los ensayos y otros esfuerzos similares producidos en torno a la reinvención de la escuela de arte parten de la premisa de que la creación artística requiere un espacio fuera de los límites normales de la universidad.
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El surgimiento de las academias europeas se basó en el impulso de profesionalizar a los artistas a través de un entorno separado que facilitaría mejor su desarrollo. Esta lógica ha seguido impregnando todo tipo de pensamiento sobre la práctica del arte, desde el programa de primer año de la Bauhaus hasta la escuela de arte actual.
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Dada la era de especialización en la que vivimos hoy, solo tendría sentido pensar que la profesión artística necesita seguir existiendo, más que nunca, en su propio entorno. Sin embargo, este es precisamente el impulso para aislar la escuela de arte que ahora está obsoleta en términos de cómo los artistas han llevado el arte al ámbito social.
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El arte alimentado por una sensibilidad modernista o incluso posmoderna sigue necesitando un entorno cerrado en sí mismo que ayude a significarlo: un espacio social y cultural que, como el museo, está diseñado específicamente para convertir cualquier gesto en uno diseñado específicamente para interpretarse en el marco cultural y universos de sentido del arte. Sin embargo, el impulso gradual hacia el arte como proceso y el abandono del objeto de arte —o el uso del objeto de arte simplemente como una referencia, pero ya no como el producto final de la experiencia del arte— también ha erosionado la frontera entre el arte y el mundo. En general, el deseo de las nuevas generaciones de artistas que intentan abrir camino es reintegrar la práctica del arte al mundo, y no rechazarla.
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En este estado de cosas, la escuela de arte ocupa gradualmente cada vez más el lugar de la academia de arte del siglo XIX. Los estudiantes de arte en la escuela de arte producen trabajos académicos conceptuales o performáticos, piezas que replican los giros retóricos del feminismo, las políticas de identidad y la estética minimalista, pero siempre sin resolver del todo las grandes contradicciones que genera rebelarse contra un entorno seguro.
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Para ver un ejemplo de cómo la escuela de arte es la nueva academia, mire la lista de los artistas más influyentes de las últimas dos décadas y vea hasta qué punto la mayoría de ellos no fueron a la escuela de arte o se nutrieron a sí mismos a través de su interés y conocimientos de otras disciplinas. Si bien el modelo de escuela de arte existente se ha destacado por proporcionar a los artistas las habilidades técnicas y de fabricación para presentar su trabajo, y apenas ha ayudado a los artistas a articular sus ideas, en general ha demostrado ser un entorno pobre para una verdadera multidisciplinariedad, produciendo artistas con mayormente ideas ingenuas sobre cualquier área fuera de la práctica del arte. Es posible que, una vez que los historiadores realicen un estudio exhaustivo del efecto de las escuelas de arte en la producción artística de nuestro tiempo, encuentren que hubo un proceso de “corrección” por el que pasaron todos los graduados de las escuelas de arte, donde integraron su propia experiencia de vida u otra experiencia en su trabajo, reconciliándolo con lo que habían aprendido en la escuela de arte. Recuerdo que Gabriel Orozco dijo una vez que realmente comenzó a ser un artista cuando decidió que dejaría de hacer arte, poco después de dejar la escuela de arte.
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A menudo se argumenta que el arte no se puede enseñar y, como tal, las escuelas de arte son instituciones sin sentido de todos modos. Esta declaración común pasa por alto verdades evidentes sobre la práctica del arte: ciertamente, hay mucho que aprender sobre la fabricación del arte, sobre el contexto histórico en el que se hace el arte, sobre las innumerables formas en que el arte se convierte en un lenguaje y, más específicamente, sobre la cosmovisión de una amplia gama de artistas. Si bien todo esto aparentemente podría aprenderse individualmente, esta declaración es similar a pedir el fin de toda la educación estructurada.
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Lo más probable es que la escuela de arte, como su antecesora la academia de arte, siga viviendo, así como las academias siguen viviendo a su manera anacrónica. Así como existe un mercado para el arte académico, probablemente siempre habrá un mercado para la pintura abstracta y la fotografía conceptual.
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El verdadero debate no es entonces si el modelo de escuela de arte es viable; se trata del modelo viable para formar artistas que harán avanzar la práctica del arte.
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En el centro de la construcción de ese modelo está el problema de qué constituye la falta de destreza/pericia en el arte, o, en otras palabras, la cuestión de qué necesitan saber los artistas, qué es lo que saben y dónde se encuentra su pericia.
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Muchas escuelas de arte actuales han desmantelado las habilidades técnicas que alguna vez proporcionó el modelo Bauhaus, sin reemplazarlas realmente por otra cosa que no sea la teoría, junto con un conjunto tenue y generalmente aleatorio de materias que generalmente satisfacen el gusto personal o las opiniones políticas de los instructores de las escuelas y tomadores de decisiones. Como resultado, producimos artistas sin habilidades tradicionales desarrolladas y, en cambio, con una comprensión extremadamente autoconsciente de su propia práctica, como actores del Método que se enfocan tanto en el Método que se paralizan.
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Un modelo tradicional difícilmente puede ser desmantelado para ser renovado; debe seguirse minuciosamente o reemplazarse por un nuevo modelo.
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Entonces, mientras que la escuela de arte tradicional del siglo XX aún puede ser funcional y necesaria para la producción de arte del siglo XX, la nueva escuela debe responder a los términos bajo los cuales las nuevas prácticas están redefiniendo actualmente la producción de arte.
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Sin duda, puede haber muchos modelos para concebir y seguir en el futuro, pero si bien debemos ser visionarios a medida que reconfiguramos nuevos entornos para el aprendizaje del arte, también debemos pensar en la reconfiguración de manera pragmática y realista.
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La forma más directa y lógica de pensar en este problema, creo, es encarnar institucionalmente la idea de que el arte se ha convertido en una metadisciplina, es decir, que modifica otras disciplinas al llevar su actividad a un territorio de experiencia, ambigüedad, contradicción y criticidad. La creación artística se convierte en un vehículo de producción de conocimiento en relación con otras disciplinas, y si bien puede continuar siendo un vehículo en sí mismo, también puede funcionar como un vehículo para avanzar en el discurso de otras áreas del conocimiento y la actividad humana. Esto no quiere decir que el arte dejará de ser una especialidad, sino que el artista se convertirá en un agente mediador capacitado entre una determinada disciplina o conjunto de disciplinas y la esfera de la producción artística.
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Una universidad de arte sería una institución híbrida que entiende el arte no como un conjunto de principios estéticos (la academia) o ideas tecnológicas (Bauhaus), o un lugar donde el arte se produce para existir y ser interpretado dentro de su propio contexto controlado (la escuela de arte presente de hoy en día). En cambio, sería un lugar donde las ideas de las artes visuales impregnan la sensibilidad de todo lo que allí se estudia, donde son el contenedor dentro del cual se estudian las humanidades y las ciencias. No es que la química, digamos, una forma de arte, no lo es, pero estudiarla en el contexto del arte informa tanto la creación artística como la propia disciplina original.
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De la misma manera en que la práctica artística abandonó el objeto y se centró en cambio en sus modificadores, la educación artística necesita abandonar la instrucción artística como objetivo y centrarse en cambio en cómo el arte modifica la realidad. Esto puede verse al principio como una empresa difícil y quizás sospechosa, ya que aún no se ha trazado el territorio para el arte como metadisciplina. Sin embargo, dados los debates actuales y el interés colectivo de la práctica, esto parece ser la progresión lógica hacia el objetivo de construir una institución que retenga la flexibilidad suficiente para producir un pensamiento innovador y crítico a través de la creatividad y que esté lo suficientemente estructurada para permitir que los futuros artistas no produzcan arte en el vacío.
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Finalmente, una universidad de arte no es una escuela de arte integrada dentro de un programa universitario, sino al revés: una universidad bajo el paraguas de una institución de arte. Su conceptualización e implementación puede ser el gran desafío para la nueva generación de quienes trabajan hoy en día en la educación institucionalizada, aquellos que deseen ofrecer un entorno verdaderamente experimental para la creación de arte que esté verdaderamente sincronizado con otras disciplinas, permitiendo que la producción de arte se mantenga. una zona autónoma al mismo tiempo que es una fuente de producción de conocimiento: el arte como conocimiento del mundo.
Dis Magazine, primavera de 2012, http://dismagazine.com/discusión/33606/the-art-school-is-dead-long-live-the-art-university.
Reimpreso con el permiso del autor.
Si la PI de la traducción es compartida con translate tengo algo de esa PI (prop. Intelectual)?
Cuánto daño le representa al PI(el otro PI, Principal Inv.) el acto de traducir su trabajo?
